Horanosaurus argentinensis

Ahora nos metemos en otro mundo musical. ¿Cómo pudo generarse semejante cambio en la música moderna? Visto a la distancia suena increíble pero fue un género exitoso entre los jóvenes que querían algo más vanguardista que rockitos cuadrados y blues calcados con diferentes letras: nos referimos al llamado “rock sinfónico”, dominio casi exclusivo de los ingleses.

Era propenso a composiciones que superaban largamente la duración media de las canciones populares, tenían otro beat, usaban recursos de la música clásica y arreglos casi impensables para los tiempos que corren y corrían. Las bandas tenían una formación rockera clásica pero le daban predominancia a los teclados electrónicos que brindaban un sonido envolvente, postergando un poco a la guitarra eléctrica a un segundo plano. Claro que los creadores eran una camada joven de músicos que había pasado por escuelas de arte, con composición y solfeo aprobados. Se empeñaron en crear suites musicales basadas en leyendas e historias fantásticas a las que los británicos son tan afectos.

El reinado planetario del rock sinfónico fue entre 1971 y 1976, grosso modo. Le sobró inventiva pero cuando pasó de moda le llovieron críticas por pretencioso. Cuando sus bandas salían de gira, además de la parafernalia tecnológica de sus instrumentos, a veces cargaban verdaderas orquestas de apoyo: una movida monstruosa parecida al circo de la Fórmula 1 en estas épocas.

Al final solo pudieron zafar de la decadencia grupos como Genesis y Peter Gabriel, Pink Floyd y King Crimson. Apenas sobrevivieron Yes, Emerson, Lake & Palmer y Van der Graf Generator del pisoteo que les dieron los punkies y la new wave británicos. Ya llegaremos a eso. Nos interesa ahora su música más que las anécdotas puntuales. Tienen que escuchar a los principales grupos mentores de la movida sinfónica, abrir la mente, porque tienen para sorprender.

Yes fue un grupo insoslayable del rubro. Arrancaron en 1969 siendo teloneros de Cream: las modas eran otras pero ya en el primer disco, el homónimo de ese año, pintaban distintos del rock psicodélico reinante. Básicamente Yes se formaba con Jon Anderson como cantante, el bajista Chris Squire, Tony Kaye en teclados, Steve Howe en guitarra y el baterista Bill Bruford. En  el exitoso “Fragile”  (1971), el cuarto disco del grupo, ingresaría Rick Wakeman en los teclados en reemplazo de Tony Kaye. En todos sus años de existencia y actividad, salvo Anderson y Squire, los demás entraron y salieron alternativamente de la formación, no faltando nunca la guerra de veleidades y egos entre sus integrantes. La excelencia que alcanzaron como músicos solo puede describirse escuchándolos. En los medios especializados eran votados asiduamente como los instrumentistas más virtuosos. 

“Yes Album” (1971) está grabado con esa formación primigenia y contiene gemas como “I´ve seen all good people” y “Yours is no disgrace”. Bastante rockero pero ya con los prodigiosos arreglos musicales, y particularmente vocales, que ofrecía la banda al irrumpir. Presten atención a la originalidad del bajista Chris Squire (Kingsbury-Inglaterra, 1948-2015), gurú del bajo rock-progresivo según Geddy Lee (Rush). Reggaetoneros, cumbieros y raperos: vayan a estudiar! 

Mítico fundador del grupo Genesis junto a unos compañeritos de colegio, este setentón  marcó un camino originalísimo como solista al abrirse de la banda. Eligió una onda distinta al sinfonismo, metió beat, ritmos africanos y eclecticismo. Además de poseer una voz inconfundible y seductora, siguió siendo un performer con gran despliegue escénico, innovador en vestuarios y puestas teatrales y llenando estadios.

Conviene sobremanera primero repasar sus cuatro discos solistas iniciales, que salieron entre 1977 y 1982. No tenían por título más que “Peter Gabriel” y en todas sus tapas salía su cara deformada con algún truco fotográfico. En posteriores re-ediciones y remasterizaciones de ese material, la discográfica los rebautizó como “Car” (1977), “Scracht” (1978), “Melt” (1980) y “Security” (1982) para diferenciarlos mejor. 

“Solsbury hill”, “Hundrum”, “I have a touch”, “San Jacinto”, “Kiss of life”, “Shock the monkey” y “Biko” son temas sobresalientes que encontramos en ellos. Pueden escuchar el vivo “Peter Gabriel plays live” (1983), que resume buena parte de esta etapa y, les aseguro, es más vibrante que aquellos discos de estudio.

Hasta ahí Gabriel era un artista de culto para oyentes muy curiosos. Hasta que sacó “So” (1986) –donde aumentó las dósis de beat, afro y electrónica- para saltar a la fama mundial. El LP fue su mayor éxito comercial, difundiéndose hasta el hartazgo “Sledgehammer”, “Big time”, “Don´t give up” con la cantante Kate Bush e “In your eyes” acompañado por el senegalés Youssou N’Dour.

Gabriel creó en el interín su propia discográfica, Real World Records, instalada en Box-Wiltshire-Inglaterra, con la cual promueve la difusión de montones de artistas de todos los continentes, básicamente de raíces localistas, del tipo world music. Esos estudios son una de las sedes de los festivales de música étnica WOMAD.

A Gabriel también le encargaron varias bandas de sonido para películas. Las más conocidas fueron “Birdy” (Alan Parker, 1985) y “Passion: the last temptation of Christ” (Martin Scorsese, 1989). Me referiré a eso en particular en el Cap. 5-Bandas de sonido originales. De todos modos, las recomendaría ahora si empiezan con la escucha de las obras del inglés, porque son parte de su mensaje musical. 

Quizás Pink Floyd fue el que más elementos pop incorporó al colectivo del rock progresivo, enriqueciéndolo con baladas efectivas y atractivos coros femeninos. 

Roger Waters (bajo, guitarra y voz), Rick Wright (teclados) y Nick Manson (batería) ya venían tocando juntos en proyectos anteriores de principios de los sesenta. En 1964 se incorpora el cantante y guitarrista Syd Barrett, a quien se le atribuye el nombre del grupo en honor de sus bluseros favoritos: Pink Anderson y Floyd Council. Ese músico mitificado imprimió a la banda una onda experimental que chorreaba psicodelia, lo que puede escucharse en su festejado primer disco “The piper at the gate of dawn” (1967). Lo grabaron en los estudios Abbey Road de Londres al mismo tiempo que los Beatles pergeñaban ahí su “Sgt. Peeper’s”. Al poco tiempo Barrett (Cambridge-Inglaterra, 1946-2006) se recluyó por problemas mentales derivados de drogas y fue suplantado en 1968 por el guitarrista David Gilmour. Empezó con un sueldo semanal de 325 libras.

En su discografía continuaron con escarceos psicodélicos y algunas experimentaciones avant-gard. Quizás sea interesante que aborden al Pink Floyd de esa época viendo su actuación de octubre 1971 en el documental “Pink Floyd: live at Pompeii” (Adrian Maben, 1972), una perfomance sin público en el anfiteatro romano de las ruinas de Pompeya-Italia. Fue novedoso en su momento y les dio mucha difusión. Básicamente, contiene temas editados oportunamente en sus discos “A sauceful of secrets” (1968), “Ummagumma” (1969) y “Meddle” (1971).

Hasta que llegaron estas dos obras que aquí siguen, cuya recomendación cae de maduro por unanimidad: vendieron millones y aún siguen siendo abordadas por las nuevas generaciones. Sirven para abrir el oído musical de cualquiera.

“The dark side of the moon” (1973) fue el octavo disco de Pink Floyd.  Grabado también en Abbey Road, su ingeniero de sonido fue Alan Parsons (Londres-Inglaterra, 1948), luego devenido músico con algún éxito. Waters pergeñó el mensaje existencialista de este álbum, inspirado en las frustraciones de la vida cotidiana de la gente en nuestra sociedad. Su música terminó de definir el sonido de la banda. Se iba a llamar “Eclipse”, como su último track. “Breathe (in the air)” y “Time”, suenan épicos. Inoxidable como las monedas, “Money”. Realmente original “The great gig in the sky”, con la excepcional voz invitada de Clare Torry, la corista que cobró solo 30 libras por su impresionante improvisación y años después le hizo un fenomenal juicio por derechos de autor al grupo. El arte y los artistas se suelen cotizar bien pero no todos son desprendidos, no todos tiran manteca al techo y otros olvidan lo que hicieron la noche anterior. 

*Pink Floyd – “The wall” (1979)

La siguieron con “Wish you were here” (1975), que contiene el exitoso track homónimo y varios hits más. Según se escribió por ahí, por aquel entonces Waters les dijo a sus compañeros que tenía dos obras conceptuales armadas y que eligieran la que les gustara más para que sea el onceavo disco de la banda: “The pros and cons of the hitch hiking” o “The wall”. Eligieron ésta y la otra terminó siendo el primero solista de Waters.

El mensaje de esta obra conceptual para la llamada generación “baby-boomer” centrada en la alienación de una estrella de rock, no me llegó nunca demasiado y me suena demagógica. Tiene elementos universales pero creo que cobra más significación para los británicos por basarse en sus costumbres e historia: Waters perdió a su padre en la 2da. Guerra, fueron ellos quienes soportaron bombardeos nazis durante ocho meses y ellos inventaron la educación despótica five tea o’clock incluído. Sin embargo, Pink Floyd vendió más de 50 millones de discos de esta ópera rock antibelicista y su mentor Roger Waters (Surrey-Inglaterra, 1943) sigue dando vueltas al mundo con puestas en escena megalómanas moviendo multitudes. Algo tiene. Puede verse la creativa película homónima de Alan Parker (1982), para recrear su idea.

Pero todo ese bagaje, cuya definición me llevó sin querer varios párrafos, nos distrae de la consideración de la música. Porque se supone que nos deleitan los sonidos que entran por nuestros oídos y que las imágenes, repercusiones y recuerdos inmanentes son solo accesorios. Cuando acciono una tecla o poso la púa para escuchar otra vez “The Wall” (1979) me detengo en los temas “In the flesh”, “Another brick in the wall”, “Confortably numb” y repito siempre mi super-preferida “Run like hell”, donde sobresalen las cualidades del excelente guitarrista David Gilmour (Cambridge-Inglaterra, 1946), de estilo lento y de pocas notas pero tan expresivo.

Ya con abrumador dominio de Waters en las producciones, me aburrió su siguiente LP “The final cut” (1983) y no profundicé los otros dos discos que sacaron hasta disolverse en los noventa. Tanta difusión de Pink Floyd terminó por alejarme de su música. Tarea reservada para los fanas revisarlos, igual que la producción solista de sus creativos Gilmour y Waters. 

UK o United Kingdom, grupo inglés de rock sinfónico formado por Bill Bruford (ex Yes y King Crimson) en batería y John Wetton (ex Family, King Crimson, Roxy Music, después ASIA) en bajo y voz, quienes reclutaron a Eddie Jobson (ex Curved Air, Zappa, Roxy Music) en violín y teclados y Allan Holdsworth (Soft Machine y Gong) en guitarra. Tuvieron una vida artística corta (1977-1979), reemplazaron integrantes y solo dejaron dos discos de estudio y dos directos. UK fueron básicamente composiciones formato canción duras y melódicas pero no tan extensas, que abrevaban un poquito en clichés de Emerson, Lake & Palmer, King Crimson y otros progresivos.

Con esa formación inicial sacaron el homónimo “UK” (1976), con sus hits “In the dead of the night” y “Time to kill”. “Danger money” (1979) lo hicieron luego de la partida de Holdsworth y  Bruford, que fue reemplazado por Terry Bozzio (baterista pirotécnico norteamericano, antiguo músico de Frank Zappa), simplemente como trío, con Jobson+Wetton aumentando su presencia. Los tracks “Rendezvous 6:02”, “Caesar’s Palace Blues” y “Nothing to lose” se llevan todos los premios.

A propósito, les recomiendo fervientemente que busquen cosas de Allan Holdsworth (Bradford-Inglaterra, 1946-2017) en su etapa solista: jazz rock o fusión. Además de Soft Machine y Gong tocó con el baterista Tony Williams en su grupo Lifetime y con Jean Luc Ponty, entre otros. El sonido de su guitarra sintetizada era  extraño pero cautivante e inimitable: usaba la tecnología Synthaxe, que no permitía rasguear del modo clásico y resultaba inútil para el pop y el funk. Los discos de Holdsworth más famosos fueron “Metal fatigue” (1985) y “Avatachron” (1986). Era lo que se dice un músico de culto y aunque sus composiciones no eran extraordinarias creaba grandes climas con su instrumento sonando único. Otra sugerencia puede ser que vayan por el CD o DVD “Allan Holdsworth Trio Live Jarasum Jazz 2014” donde lo acompañan Gary Husband (Level 42, NDR Big Band, 4th Dimension de McLaughlin, etc.) en batería y el extraordinario Jimmy Haslip (ex Yellowjackets y otro larguísimimo etcétera) en bajo fretless: hacen temas históricos del guitarrista modo aplanadora. 

El líder de la banda, el guitarrista Robert Fripp (Wimborne Minster-Inglaterra, 1946), es hoy un señor formal que carga ochenta pirulos y maneja celosamente el marketing y el catálogo de la marca que construyó, bajo su sello Discipline Global Mobile. Artísticamente siempre fue arriesgado, en experimentación constante, escapando para adelante sin importarle el público cautivo.

La música de King Crimson tuvo muchas facetas cambiantes con el paso del tiempo pero ha sido poco comercial y a veces suena dura y sombría. Es como el agua caliente: metan la pata en ella con precaución, de a poquito, o les quemará y los abandonarán perdiéndose el goce.

No fui fan de Crimson desde el principio ni compré sus discos a montones. Sus primeras obras se me pasaron de largo. Pero ya en los ochenta cuando una caía en mis parlantes, me movía la estantería. Finalmente, terminé escuchando todo su repertorio en mp3 y comprobé que siempre fueron cosa seria, comparable en dimensiones a Pink Floyd.

Muchos consideran el álbum debut “In the court of the Crimson King” (1969) como la gema de la banda y no puede negarse que ahí edificaron sus cimientos. Fue además la piedra angular del rock progresivo o sinfónico. Histórico porque despertó la avidez por esa nueva onda que incorporaba elementos jazzeros y polifónicos con el uso del novedoso mellotron (*) al rock y blues eléctricos de la psicodelia reinante: todo eso les permitió entrar en el showbusiness a grupos del nuevo estilo, como Yes y Génesis, cuando los Beatles todavía copaban la escena.

Este disco tiene experimentación pero contiene varias baladas con influencias del folk inglés: ojo al piojo que los sinfónicos no masticaban vidrio y también buscaban la canción ganchera que les diera difusión y éxito comercial (como Pink Floyd). En ese álbum se destacan la canción homónima, “21st Century Schizoid man”, “Epitaph” y “Moonchild”. En la tapa del vinilo, el dibujo de la cara del hombre esquizoide, y en la interna el del mismísimo rey carmesí, que parece amigable.

Excepto Fripp, los integrantes del grupo fueron de alta rotación pero como vocalistas  se asientan medianamente al principio Greg Lake (futuro Emerson, Lake & Palmer) y John Wetton (UK).

Una dificultad para elegir lo mejor entre los trece discos de estudio de King Crimson (grabados entre 1969 y 2003) son –como hice referencia- sus estilos cambiantes. Fripp salta de uno a otro sin repetirlos mucho: de progresivos a heavy metaleros, metiendo algún toque clásico moderno y con distintas formaciones (cuartetos, sextetos y septetos o dobles tríos), a veces metiendo saxo y flauta, a veces erradicándolos. Todo muy poco propicio para efectuar comparaciones. El hilo conductor, claro, es el genio de Robert Fripp con su guitarra eléctrica y original técnica de texturas, bautizada “frippertronics”: un truco de su invención sobre las cuerdas en base a loops que aportan un clima ambient. Paren sus orejas para distinguir eso. Fue un líder sumergido en el anonimato del grupo en beneficio de la música. Cero exhibicionismo.

Para salvar ese inconveniente y poder resumir mayormente la primera parte de la trayectoria de esta banda vanguardista, la que llega a1974,  recurran a esta caja “Radical action to unseat the hold of monkey mind” (2016), que trae tres CD grabados en vivo en distintos escenarios de una gira internacional más dos DVD y un Blu-ray de un concierto en Japón. En ese entonces, Fripp pergeñó un septeto para la gira “Celebration 50 years” que recorrería tres continentes celebrando cinco décadas -justamente- de la salida de “In the courth of the Crimson King”. Llevó al buen cantante y guitarrista Jakko Jakszyk e incluyó a Anthony Frederick ‘Tony’ Levin (Boston-USA, 1946), emérito de la banda que entrara a King Crimson en 1981 (ex John Lennon Band, Peter Gabriel, David Bowie, etc.) en bajo eléctrico y especialista en “stick”: un raro instrumento de diez cuerdas, mezcla  de bajo y guitarra eléctrica. Hagan el esfuerzo de escuchar la sutileza de su sonido particular. También integró la gira Mel Collins (ex Camel y miembro casi original de KC) en saxos y flauta. Y metió literalmente tres bateristas al frente de la formación: Pat Mastelotto, Bill Rieflin y Gavin Harrison. Meter tres baterías en un grupo de rock puede pensarse como una apuesta escenográfica vendehumo/circense, es cierto, pero escucharlos actuar en vivo disipaba toda especulación malpensada. No solo en las composiciones exclusivas para percusión “Devil dogs of Tessellation Row” y “The hell hounds of Krim” que incluyeron demuestran para que estuvieron: también aportan timbres interesantísimos hasta en las baladas más tranquilas del recital. A estos temas y a los citados de “In the court…”, convenientemente aggiornados, se  agregan al repertorio el himno “Starless”, “Easy money”, “Larks´ Tongues in Aspic part I-II” y “Red”.

(*) el mellotron es un teclado eléctrico-mecánico inglés popularizado a mediados de los sesenta. Básicamente, al oprimir sus teclas se activan cintas magnetofónicas pregrabadas que contienen diferentes sonidos, como cuerdas, coros, flautas, etc. Un antecesor del sampler. Se dice que los primeros en usarlo y dejar constancia fueron los Beatles en el tema “Strawberry fields”, luego los Rolling Stones en “2000 light years from home” o Zeppelin en “Kashmir”. Todos los grupos sinfónicos tenían y usaban mellotrones a destajo. En King Crimson, escuchen su sonido en los temas “Epitaphe” o “In the court of Crimson King”.

Si les gustó la propuesta y desean seguir escarbando esta música sin tomarse el trabajo de repasar la discografía completa de Fripp y su troup, les indico otro atajo. Consíganse este “B´BOOM” (1995) para conocer de un pantallazo que cosas intentaron desde los ochenta para adelante: la elección de los temas está bárbara y su universo suena perfecto. Es realmente un “grandes éxitos” de lo más fuerte y heavy del extenso repertorio crimsoniano. Fue grabado en vivo en sus funciones en el teatro Broadway de nuestra avenida Corrientes porteña, en octubre de 1994, una elección que enorgulleció a sus fanas locales.

Este CD doble en vivo lo descubrí un tiempo después del recital gracias al programa radial de culto “El Intruso”, de Marcelo Morales, que lo repetía maravillado una y otra vez, contagiándonos. Me zambullí en una disquería especializada del centro porteño (curiosamente llamada “Crimson King”) y sin preguntar el precio lo compré. El show se alimenta mayoritariamente de creaciones de los muy buenos discos de estudio “Discipline” (1981), “Vrooom” (EP de 1994) y “Thrak” (1995). Rescatan joyas como “Elephant talk”, “Frame by frame”, “Sleepless”, “Discipline”, “Indiscipline”, “Matte Kudasai”. Una maravilla.  

Las interpretan seis instrumentistas de altísimo nivel en una increíble formación de doble trío (dos baterías y dos bases más dos guitarras): otra locura de Fripp. Esa vez con Adrian Belew (Kentucky-USA, 1949), otro emérito KC, tan versátil con su guitarra como con su voz; el ya citado Bill Bruford, uno de los mejores bateristas modernos del mundo, de originalísimo groove, más el mencionado Tony Levin en stick o bajo. Para el gusto de muchos fans del grupo, fue la formación más importante que tuvo la banda: participan de buena parte de la discografía de estudio y en vivo de Crimson. Particularmente, su debut heavy en la banda fue el disco “Discipline” (1981), una avalancha digna de escuchar. Para el directo “B’BOOM - Official bootleg Live in Argentina” (1995) a esos cuatro se les agregaron en la gira Trey Gunn (stick, bajo y Warr-guitarr) y Pat Mastelotto (batería), conformando el doble trío.

A pesar que, en general, las grabaciones en directo no son mis preferidas comparadas con las de estudio, me veo recomendándoles fervientemente estos dos discos en vivo como lo más entrañable y representativo de la banda. Es que estos ingleses han sido músicos de excelencia y perfeccionistas del sonido. 

La última reverberación del sonido King Crimson es la formación Beat, que en 2025 hace una gira mundial. Es un supergrupo que pilotean Adrian Belew y Tony Levin, sumando al baterista Danny Carei y nada menos que al violero Steve Vai (Carle Place-NY-USA, 1960), de vasta trayectoria solista en el metal-rock. Con la venia de Fripp, versionan básicamente temas de King Crimson provenientes de la brillante trilogía grabada durante los años ochenta con la formación Fripp-Bruford-Levin-Belew: los discos “Discipline” (1981), “Beat” (1982) y “Three of the perfect pair” (1984). Las violas eléctricas de los viejitos Belew y Vai al frente de Beat son el imperio de la distorsión bien entendida.

A pesar de haberme comprado “B´Boom” (1995) y pasarlo hasta el hartazgo en casa, perderme ese recital histórico de octubre 1994 en el teatro Broadway por algún raro motivo, me pesó bastante: fue un repertorio bárbaro ejecutado con una de las mejores formaciones de King Crimson. ¿Quiénes habrán sido los privilegiados testigos porteños en los ensayos del boliche Prix D’Ami de Belgrano? Tuve revancha cuando 24 años después los Crimson pasaron de vuelta por Buenos Aires, ahora en el Luna Park (08/10/19). No quise escuchar “Radical action to unseat the hold of monkey mind”, para no ir con prejuicios. Vinieron con la misma formación septeto de este disco. Calculen la edad de sus músicos al momento de los hechos. Estos viejitos resultaron ser una aplanadora de música seria. Los tres terribles baterías cumplieron realmente un papel estelar (vino Jeremy Stacey en vez de Rieflin más  Pat Mastelotto y Gavin Harrison, quien sacó varios cuerpos de ventaja a sus amigos), con una sincronización endemoniada que oscilaba entre la complementación exquisita y el terremoto sonoro. Definitivamente, no trajeron sus parches y platillos para fabricar humo. Como dijo un cronista, King Crimson nos pasó por arriba a los espectadores extasiados, que apenas tuvimos la oportunidad de explotar y agradecer las tres horas del show que recorrió distintas etapas de la trayectoria de rey carmesí. Profesionalismo para la emoción.

Este grupo, siempre liderado por el hoy longevo guitarrista inglés John McLaughlin (Doncaster-Inglaterra, 1942), era una versátil e inclasificable máquina musical que gustaba de tomar riesgos. Como King Crimson pero en otra dirección, música instrumental sin cantantes al frente ni baladas gancheras calmando las aguas. Rock  progresivo o jazz rock, música de fusión.  Impensable escuchar este sonido en un Lollapalooza de estos días: centenares de pibes caerían desmayados por la sorpresa o la repulsión.

Un McLaughlin jovencito venía de haber tocado nada menos que en la banda revolucionaria del trompetista Miles Davis en sus disruptivos discos “In a silent way” (1969) y “Bitches brew” (1970). Colaboró con el innovador Tony Williams Lifetime y otros famosos del mundo del jazz rock como Larry Coryell y hasta había coqueteado con el free-jazz. Armó luego la Mahavishnu con el tecladista checo Jan Hammer innovando con el teclado moog y los primeros sintetizadores, el panameño Billy Cobham en batería, Jerry Goodman en violín y Rick Laird en bajo.

No podía ser menos osado el arranque de la banda con “Inner mountain flame” (1971): las típicas escalas progresivas marca registrada de un McLaughlin desatado y la improvisación de sus músicos cuando para ese entonces sonaba en las radios el “Brown sugar” de los Rolling Stones. Un crítico definió este disco como la mejor grabación de jazz fusion de la historia, el primero que supo capturar la fuerza del hard rock y la improvisación espontánea del jazz.  

El debut de la Mahavishnu nos dejaría el groove de “You know, you know”, un clásico de McLaughlin, que siguió tocando en todos sus conciertos. Con la misma formación, en el siguiente LP “Birds of fire” (1973) muestran más los dientes. Unas campanadas marcan el demoledor comienzo del disco, que no da respiro. Más adelante “One word” es botón de muestra de esa avalancha musical donde Billy Cobham muestra sus credenciales a la posteridad. Solo algún remanso en la introducción de “Open country joy”.

“Apocalypse” (1974) es una especie de obra conceptual, tercer disco de estudio de la Mahavishnu de McLaughlin. Había reemplazado a la formación original, con la que había girado y sorprendido a medio mundo. Ahora reclutaba al violinista Jean Luc Ponty, Gayle Moran en voz y teclados, Michael Walden en batería, Ralphe Armstrong en bajo (hablaremos luego más sobre ellos). Con producción del afamado George Martin, sumó un pequeño grupo de cuerdas y la orquesta sinfónica de Londres dirigida por Michael Tilson Thomas. No figuraron de adorno: dejan en el disco pasajes memorables. Al tema “Vision of the beyond” le objetaron la estructura pero la voz de Gayle  Moran suena como quisiera me recibiera un ángel en el cielo. Los contrapuntos instrumentales en “Hymn to him”, donde brilla como nunca Ponty, alcanza esas alturas. Pongan este disco y déjense atrapar.   

Con la misma base grupal de “Apocalypse” pero ampliada y grabado en los estudios Electric Ladyland de Nueva York, este disco suena increíble, a nada parecido en su época. McLaughlin pega un giro, agregando una buena dósis de funk e hindostaní a la fusión. Hay que tener la cabeza muy abierta para crear esto. En “Lila’s dance”, el arranque melódico con el violín espectral de Jean Luc Ponty explota en un R&B terrible y la guitarra del maestro McLaughlin te arranca del asiento. Que puede agregarse en “Can´t stand your funk” y “Cosmic Strut”, tema de Walden, cuya batería logra difícil tarea de hacernos olvidar a Cobham en todo el disco. 

McLaughlin mantuvo viva a la Mahavishnu hasta mediados de los ochenta, editando nueve discos en total bajo esa etiqueta, los últimos en franco declive. Pero entre medio de ellos sacó varios solistas realmente valiosos, enrolados en el jazz-rock o directamente jazzeros. También se asoció en un trío acústico célebre con los guitarristas Paco De Lucía y Al Di Meola (ver Cap. 2), para girar y grabar. Como si fuera poco su aporte, fusionó con conocimiento y respeto música occidental con hindú: con el ya mencionado grupo Shakti (ver Cap. 2) pergeñando tres discos, entre 1976 y 1977. McLaughlin siempre tuvo debilidad por los percusionistas hindúes y los continúa incorporando en sus agrupaciones, por ejemplo en su actual The 4th Dimension. Seguiremos comentando el resto de la carrera del monstruo de las escalas Juancito McLaughlin en el Capítulo 4-Jazz & Jazz Rock. 

Pero eso vino después de su paso por la Mahavishnu Orchestra y de colaborar con muchos músicos del jazz rock (John Abercrombie, Al Di Meola, Elvin Jones, etc.).  Y también después de este disco solista instrumental iniciático que podría llevar la etiqueta de ambient o rock sinfónico.

“First seven days” (1975) es original por siete hermosas composiciones –que dicen estar inspiradas en el Génesis- con muchos pasajes intimistas.  Su instrumentación consiste en diversos teclados (mellotron, moog, sintetizadores), secuenciadores y sobregrabación de pistas, pero excluye guitarras y bajos. David Earle Johnson ayudó en percusión y Steven Kindler (el que estuvo en la  Mahavishnu) en violín. Siguen sonando interesantísimas “Darkness”, “Fourth day-Plants and trees” y “Seventh day”.

Después de este primer intento solista, el checo formó Jan Hammer Group, reclutando a Tony Smith, Fernando Sounders y  Steven Kindler. Fue interesante el disco “Oh, yeah?” (1976) donde replica el sonido Mahavishnu pero abriéndolo a más influencias con distinta suerte: vayan por el por curiosidad. Mencionamos antes la gira del grupo que sumó a Jeff Beck registrando el recomendado “Jeff Beck with The Jan Hammer Group Live” (1977). Pero con el siguiente invento, una banda llamada directamente “Hammer” (1978) renunció a toda evolución artística, apostando sin disimular a un pop-rock insulso. Jan Hammer siguió con muchos discos más de música para series de TV y películas. Como se me acabó mi fe, no los seguí en su totalidad y eso me impide opinar malévolamente.

Con este grupo Hammer estuvo en Buenos Aires en el estadio Obras Sanitarias en octubre/79 teniendo de telonero a Luis Alberto Spinetta, en la época de su intimista disco solista “Kamikaze”. En los bises de Hammer invitó a Spinetta al escenario y juntos hicieron el potente “Blue wind”, si mal no recuerdo. Hammer volvió al mismo estadio en junio/80 pero con el norteamericano Ritchie Havens de telonero. La banda sonaba bien pero su música no sorprendía. 

Para quienes gusten de la música new age o ambient, merece una escucha “Campanas tubulares” (1973) de Mike Oldfield (Reading-Inglaterra, 1953), un disco precursor que ahora suena un poco enmohecido. Instrumental, con mucha sobregrabación, pinceladas de folk británico y brisas rockeras propias de la época. En su momento fue un éxito novedoso cuando la moda eran las obras conceptuales al estilo de “Tommy” (1969) de The Who o su contemporánea “The lamb lies down on Broadway” de Genesis, pero la de Oldfield era menos ganchera por carecer de argumentos líricos para el impacto multimedia que tuvieron otras. ¿Cómo explicar entonces el impacto que tuvo sobre toda una generación ese vinilo pionero de Virgin Records? No tenía tracks ni letra, solo sus dos lados instrumentales enteritos sin cortes, pero vendió millones y ocupó el número uno en los charts rockeros de la época. Uno de los motivos fue la difusión indirecta que le dio el director de cine William Friedkin al insertar extractos de “Tubular bells” en su exitosa película “El exorcista” (1973): con ello, su música entró al mercado norteamericano.

Mencioné a Jon Anderson como el cantante insignia del grupo progresivo Yes, que recorrimos antes. Explotando su registro tenor y cálida voz tuvo una carrera solista que plasmó en una decena de discos pero durante una década hizo una dupla exitosa con el músico griego Vangelis Papathanassiu (Agria-Grecia, 1943-2022), editando cuatro LP. Conviene probar con el primero “Short stories” (1979), para saber si te gusta el estilo. Fue un exitazo radial la marchosa “I hear you now” y las intimistas “Love is” y “One more time” conmueven todavía.

También tuvo suceso comercial el siguiente “The friends of Mr. Cairo” (1981). No dejan pasar una joyita rescatable del tercer tema de la dupla “Private Collection” (1983) que sirve para identificarlos: es el tema “She is sailing”. 

Lo de Vangelis como solista merece un párrafo aparte. Fue uno de los precursores de la música electrónica y la llamada “new-age” o “ambient”. Fue tan “space-music” y popular que unos científicos, al descubrir un asteroide, lo bautizaron con su nombre. Vangelis fue un  niño mimado muy cotizado del mundo artístico durante años, autor de bandas sonoras  para cine, TV, teatro y ballet que quedaron en la historia. A modo de ejemplos, “L´Apocalypse des animauxs” (1973),  “Opera Sauvage” (1979), la serie “Cosmos” de Carl Sagan (1979),  “Carrozas de fuego” (1981) y el legendario film “Blade Runner” (1982). Trabajó con músicos de distintos estilos, como las cantantes líricas Irene Papas, Monserrat Caballé y Melina Mercouri. Imposible resumir su producción discográfica y su carrera aquí.

Montados en esta onda electrónica mencionemos grupos y solistas relacionados que se acercan al pop y coquetean o se sumergen en la música bolichera, alejándose del rock progresivo, la fusión y la experimentación.

Un solista explotando una onda new-age intimista fue el nipón Kitaró (Toyohashi-Japón, 1953), un oriental algo soporífero para escuchar con sahumerios. Mucho más agil, cercano a la new age y el ambient está el francés Jean Michel Jarre (Lyon-Francia, 1948), un caso curioso. Hijo del multipremiado compositor de bandas sonoras Maurice Jarre, Jean Michel se consagró con sus LP “Oxígeno” (1976) y “Equinoxe” (1978). Montó millonarias giras internacionales alrededor de su música, con perfomances plagadas de efectos tecnológicos espectaculares que acaso la minimizaron pero lo llevaron a la cima. Jarre fue precursor del video-mapping y de los teclados-láser, entre otros chiches.  Prolífico, multifacético y efectista. La levantó con pala.

Precursores de la música hecha con teclados y computadoras en onda ambient o space music pero todavía con algún toque experimental, fueron los alemanes Tangerine Dream, que surgieron en 1970 y siguen dando vueltas. Estos berlineses editaron discos al por mayor y fueron artistas de culto.

Cuando rastreamos vertientes electrónicas más ligadas a lo bailable, otra vez encontramos alemanes. Otra variante que nos va adentrando de a poquito en una época posterior al sinfonismo. Ahora se trata de sonidos hipnóticos, machacantes y repetitivos con melodías mínimas. Es insoslayable nombrar la denominada “música industrial germana”, que se adueñó del género electrónico y se superpuso a la movida new wave europea con su bagaje de baterías programadas, secuenciadores, teclados al por mayor. El número uno fue sin duda Kraftwerk, unos locos que empezaron en Dusseldorf, también por 1970, y sacaron una docena de discos hasta que bajaron la cortina en 2005. De ellos tenés que escuchar sus inoxidables éxitos “Das modell”, “Neonlicht”, “Der telefon-anruf”, “Trans-Europa Express 91” y “Expo 2000”. Todo esto se encuentra en “A singles collection 1974-2004”.

También hay que recordar a Propaganda, otros surgidos de Dusseldorf pero en los ochenta, navegando decididamente entre la new wave. Un cuarteto con voces femeninas al frente (Claudia Bruken y Suzzane Freitag) y más dósis de baladas pop que los Kraftwerk, haciéndolos menos duros. Etiquetados como synth pop, tecnopop y eurodance. Prendieron mucho en la Argentina. Su LP debut “Dream within a dream” (1982) tiene sustancia. Escuchen ahí la homónima, “Murder of  love”, “Duel”, “p:Machinery”, “Jewel”, “Sorry for laughing” y “The chase.  Busquen luego por ahí las melosas “Wound in my heart” o “Only word”, que en estas pampas fueron un exitazo, ya recostadas en una onda Roxette/ABBA.

El tercero en discordia es un grupo inglés, Art of Noise, más o menos contemporáneo de los otros, gente avant-garde de estudios de grabación (por ej. el cotizado productor Trevor Horn), muy gustosa de experimentar con cajas de ritmo, groove machacantes y sampleo. Lo que más se les conoce fue su famosa su versión de “Kiss”, el tema de Prince, cantado por el inmortal Tom Jones. Paradójico, porque no es lo más representativo de ellos.

Bowie saca el nada desdeñable “Never let me down” (1984), con los hits “Day-in, day-out”, “Time will crawl” y el del título, manteniendo la popularidad aunque no tanto las ventas. Luego, además de protagonizarla, edita junto a Trevor Jones la muy buena banda de sonido de la mencionada película “Laberinto” (1986), que merecerá un párrafo aparte en el Capítulo V de esta reseña.

Meterá otro volantazo, intentando durante varios años una aventura hard-rock con la loca banda paralela Tin Machine (1987-1992), sostenida con del guitarrista Reeves Gabrels. No movieron demasiado el amperímetro, aunque algunos los ameritan como precursores del grunge.

Bowie se arriesgará con un nuevo cambio de rumbo, un nuevo renacimiento, esta vez hacia senderos más sutiles con toques de house y acid jazz en el CD “Black tie, white noise” (1993), nuevamente producido por Nile Rodgers y con Mick Ronson en guitarra, quien fuera parte de su equipo durante años. Tiene un groove distinto a otros discos de Bowie, una energía diferente. Aporta un muy buen cover de “I feel free” de Cream, la hermosa “Don’t let me down & down”, la sugerente homónima  y la movediza “Jump, they say”, dedicada a su hermanastro esquizofrénico.

Pero esa onda también duró poco. ¿No les digo que cambiaba siempre?  Con “1. Outside” (1995) y nueva producción de Brian Eno, empieza otra mutación de Bowie, que se va poniendo otra vez tecno, pero muy denso y oscuro. Salvan las papas del disco “No control” y “Strangers when we meet”. En “Earthling” (1997) el lanzamiento del disco se apoyó con unos dramáticos videos. Mucho sampler y batería programada, drum & bass. Para hacer este disco muy jugado, decadente pero cuasi bolichero, Bowie reclutó otra vez a Reeves Gabrels para meter distorsión a lo loco.

De ahí en más, Bowie sacó cinco o seis CD más. Casi siempre con la base de Gaile Ann Dorsey (bajo), Tony Visconti (guitarra, teclados y producción), Sterling Campbell (batería) y algunos otros. Permiten rescatar gemas imperdibles. Resultan más clásicos, un poco más reconocibles de su tradición pero sin privarse nunca de rockear. “Hours…” (1999) tiene muchas baladas, matándonos al comenzar con el himno romántico “Thursday’s child” y rematándonos al final con “Dreamers”.

En 2000 armó el hermoso “Toy” rescatando/reciclando viejos temas sesentosos archivados pero EMI, de la discográfica de Virgin Records, nunca se lo editó por complicaciones financieras: recién lo haría la Warner en 2022 como “Toy:Box”. Algunos tracks del proyecto fueron incluídos  en el CD “Heathen” (2002), donde la cosa suena algo insípida hasta que irrumpen “I would be your slave” y “5:15 The angels have gone”. Lo continúa sin pena ni gloria el CD “Reality” (2003) pero levanta la puntería en “The next day” (2013) con “Where are you now?” y “I’d rather be high”.

Como seguro sabrán, Bowie falleció en Nueva York -ciudad que había adoptado  dos décadas atrás- en enero de 2016. Los años lo habían convertido en un gentleman coleccionista de arte y bon-vivant del Soho que educaba con esmero a su hija menor. Ocultó durante meses a los medios la dura enfermedad que lo estaba abatiendo. Su trabajo póstumo fue “Blackstar” (2016), una obra algo sombría que parece acorde al eclipse de su vida. En el disco nos deja su voz inolvidable y, a pesar de su título, entrega todo en su canción final “I can´t give everything away”.

Puede ser que, como dijo alguno, Bowie haya sido el artista del mundo musical al que mejor le calce la comparación maradoniana: “barrilete cósmico”.

 

Nos vamos a introducir en un mundo musical totalmente diferente: el de la new wave británica y todas sus conexiones. Olviden todo lo anterior.

Empecemos por el ska, ya verán luego su injerencia en el tema. El ska es la música y baile popular nacional jamaiquinos, originados unos años antes de su independencia de la esclavizadora Gran Bretaña, en 1962. Rastrear sus orígenes lleva a dedicar varias horas de lectura revisando diversas fuentes. Según los cronistas, el ska viene a ser una síntesis de influencias: del rhythm & blues, el boogie, el sonido de las grandes orquestas norteamericanas de jazz de la época y particularmente el sonido de New Orleans, el calipso de Trinidad y Tobago y vertientes de la música afro-cubana.

En los años cincuenta en Kingston, capital de Jamaica, había camionetas cargadas con equipos de sonido (sound-systems) que circulaban con vagos propalando vinilos para bailar, en busca de propinas. Discotecas móviles. Primero ‘pinchaban’ música norteamericana porque no tenían cosas propias, hasta que músicos nativos (Prince Buster, Sir Coxsone Dodd, Arthur ‘Duke’ Reid) pudieron grabar las primeras canciones sincréticas. En los arrabales como Trenchtown, los chicos más pesados, los punteros barriales o “rude boys”, manejaban el creativo negocio. Arriba de las furgonetas llevaban un “toaster”, especie de maestro de ceremonias que anticipaba de modo de rústico a los futuros raperos yankis, rimando frases sobre cosas de actualidad.

Si se detienen en aquellas influencias del ska, puede deducirse que las bandas asociadas al naciente género autóctono se conformaron con la base típica de batería-bajo-guitarra, al que se sumaban un piano e instrumentos de viento, primero que todo el trombón, luego saxo y trompeta. Al principio fueron  mayoritariamente instrumentales, sin vocalista.

El nombre cortito del género proviene de “ska-boom-ska-boom”, onomatopeya del sonido que reproducían esos sound-system. Aunque hay otras versiones del origen de la palabra “ska”, todas se relacionan con el beat o el sincopado de la guitarra (“chuking”), usuales en el estilo. Al baile relacionado lo llamaron “skank”.

Con los años, los DJ “toaster” grabarían sus ocurrencias anticipando al rap y el ska daría origen o evolucionaría al rock-steady (con un tempo más lento) y el dub (manipulación de pistas y adición de efectos electrónicos). Serían los predecesores del reggae que nació en 1968 con el single “Do the reggay” de la banda The Maytals, el último y quizás más pulcro eslabón de la cadena con el que colonizarían musicalmente el mundo varios años. Una proeza tercermundista digna de resaltar.

The Skatalites llegó a ser el grupo más destacado del género que nos ocupa. Estaba formado por músicos que se la rebuscaban en el circuito hotelero y en los primeros estudios de grabación. Fueron unos de los padres fundadores del ska. El título de este recopilatorio “Guns of Navarone-The best of Skatalites” (2001) viene asociado al tema clásico y homónimo que les pertenece, que se usó como soundtrack –con otro ritmo y gran orquestación- para una superproducción cinematográfica de la época -justamente llamada “Guns of Navarone”- protagonizada por las superestrellas Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn.

Los Skatalites duraron poco y ya se habían disuelto en 1965 pero cuando les llegó el reconocimiento internacional se rejuntaron en 1983 con una formación modificada para aprovechar la bolada. Continúan dando vueltas hasta hoy, habiendo incorporado el rocksteady y el reggae.

Don Drummond (Kingston-Jamaica, 1932-1969), su trombonista fundador y compositor principal, no llegó a viejo: se volvió loco y falleció en la cárcel para pasar a integrar el famoso Club de los 27. En distintos momentos, los Skatalites tuvieron  como vocalistas colaboradores a Desmond Dekker, Prince Buster, Jimmy Cliff, Bob Marley y Doreen Shaffer, entre otros. 

Cuando pasaron por Argentina, dejaron grabado su vivo “The Skatalites In Orbit en vivo en Buenos Aires vol. 1 y 2” (2005), en el Teatro Armenio del barrio de Palermo. La excelente banda argentina Dancing Mood capitaneada por el bohemio Hugo Lobo -que ya resaltamos en el Cap. I-Rock argentino-, reversionó con muy buen gusto los principales temas de Skatalites.

El conocido “My boy, Lollipop” que aquí en el sur versionaran añares después Viudas e Hijas de R&R, fue el primer ska -fácil y ganchero- que triunfó en USA en 1963. El productor musical Chris Blackwell (Westminter-Inglaterra, 1937), criado en tierras jamaiquinas y luego fundador de la famosa discográfica Island Records, tuvo en los años sesenta gran ingerencia en la exportación de la música de la isla caribeña a Inglaterra. Aquí había una gran colonia de inmigrantes antillanos (muchos rude boys mezclados entre los ya citados mods londinenses fanas de The Who y The Kinks) y eso facilitó la aceptación de músicos jamaiquinos que cruzaron el charco. El cantante Desmond Dekker (Kingston-Jamaica, 1941-2006) fue una de las cabezas de playa artísticas del ska entre los flemáticos con su hit “Israelites”. Hizo lo suyo también Lee ‘Scracht’ Perry (Kendal-Jamaica, 1936-2021), hábil productor de los Wailers.

A fines de los setenta, el sello discográfico inglés “2-Tone” difundió y puso más de moda el ska entre blancos e inmigrantes. Su nombre no solo aludía a los dos tonos de la música; también se relacionaba a la estética con el blanco y negro a cuadritos que identificaba a la tribu en zapatos, ropa y apliques, una vuelta de tuerca mod. Fueron baluartes de esa onda los grupos The Specials, Madness y The Selecter, sobre los que volveremos. En Argentina, y luego en Sudamérica, los Fabulosos Cadillacs también fueron exitosos alumnos -más bien copiones- del género ska y esas bandas. Claro que varios escalones debajo de los geniales Dancing Mood. 

Insuperable maestro del reggae fue el mulato Robert Nesta Marley Booker (Nine Mille-Jamaica, 1945-1981), hijo de una mujer negra y un capitán inglés tránsfuga. Un cronista sintetizó su derrotero como “la primera estrella global surgida de un ghetto poscolonial” (A.k.a. tercer mundo). Slogan intrincado pero verídico. Cae perfecto decir que es el Gardel del reggae porque, realmente, cada día canta mejor y nunca fue superado en lo suyo.

Es interesante chusmear la biografía aventurera de Marley. Su vida privada no fue moderada, estuvo salpicada de altibajos sentimentales y algunos abusos pero también de solidaridad. Usó su popularidad para coquetear con la política en su país y si bien buscó la conciliación, le costó varios atentados y sustos. Sus grabaciones fueron  objeto de tironeos comerciales entre productores. Tuvo que crear su propio sello, Tuff Gong, para protegerlas. Y las disputas por la herencia de Marley fueron otra historia en si misma: tuvo 10 hijos reconocidos y 2 adoptados. Una manera de abordar a Bob Marley es recurrir al libro “Tanto que contar: historia oral de Bob Marley” (2019) de Roger Steffens, que entrevistó en su momento a 74 colaboradores, músicos y allegados al cantante. Otra es la biografía escrita por su esposa cubana Alpharita Constantia Anderson ‘Rita’ Marley (“No woman, no cry” de 2004), que trata bastante descarnadamente a su ex.

En lo estrictamente musical, al escuchar sucesivamente los discos de Marley se percibe una cierta inmadurez en los primeros y un claro afianzamiento de su sonido a medida que pasan los años. Los más puristas prefieren aquella etapa “vernácula” o más clásica por su autenticidad, grabada con medios rudimentarios locales. Otros, en cambio, las obras que le siguieron apoyando su globalización, dentro de la movida rock inglesa.  

Pero, ¿de dónde salió el reggae? El crítico Alan Di Perna ilustra bien al respecto. Los jóvenes jamaquinos se copaban en los tempranos sesenta con el rythm & blues de New Orleans y Miami (Fats Domino, Huey Smith, Professor Longhair) y el sonido Motown (Drifters, Plateros, Miracles y Temptations) escuchando emisiones norteamericanas con sus radios portátiles a pila. Le agregaron su bagaje mestizo-creole y surgió el ska: acordes “up-beats” sobre líneas de “walking bass” (googleen, señores). Bob Marley mismo grabó su primer single solista en 1963 con el ska “Judge not” y fue otro ska lo primero que hizo con The Wailers: “Simmer down”.

Se venía produciendo en Jamaica la comentada movida musical  de los “sound system” con el “toasting” (hablar payando/improvisando con un micrófono sobre una pista grabada, claro antecesor del rapeo norteamericano de los setenta). De a poco el género adquirió ritmos más lentos y mutó al llamado “rock-steady”, más apto para bailar que el ska. Surgió también el “dub”: reversionar un single desde las consolas con sus bases instrumentales pero sin incluir las voces.

Una ralentada más con ritmo hipnótico y apareció el reggae, en ritmo de 4x4. Guitarras “muted” (sonido apagado, asordinado con la palma de la mano), con “one drop” (espacio en el primer pulso de cada compás que produce ese suspenso atrapante y gozoso tan difícil de explicar del reggae) y el bajo -como figura principal pero sin hacer solos- que repite dos compases entre silencios para mantenernos en trance.

Luego, a esta música se le sumó una oleada mística derivada de las creencias del rastafarismo: una religión o filosofía difundida desde los años 30 por el controvertido ideólogo, predicador y empresario jamaiquino-británico Marcus Garvey (Saint Ann’s Bay-Jamaica, 1887-1940), promotor del panafricanismo y la negritud, un ñato con facetas racistas y fascistas. Como prometía la llegada de un mesías negro, sus seguidores terminaron curiosamente adorando al dictador de Etiopía Haile Selassie I como un nuevo Cristo.  Su nombre real era Ta Fari Makonnen, el “ras” o jefe: de ahí “rastafari”. Sus seguidores repudiaban a “Babylon”, la sociedad moderna occidental, corrupta y tecnológica. Vegetarianismo, ganja=cannabis sativa pero no cocaína ni alcohol. Detalles externos de sus adeptos, sus dread-locks y gorras tams para cubrirlos esos rizos, austeridad. A todo esto Selassie, que no entendía nada, un día se decidió, cruzó el charco y visitó Jamaica en 1966: lo recibieron con honores unas 100 mil personas. Marley abrazó esas creencias y las difundió junto a su música pero pragmáticamente, sin descuidar su carrera artística.

Esta maravilla de compilación “Legend” (1984) de Island Records es un solo LP de 14 tracks sin desperdicios. No en vano ha sido el disco de reggae más vendido de la historia: más de 30 millones de copias. Aunque solo cubre piezas de Marley globalizadas entre 1973 y 1981,  almacena clásicos reggae como “Is this love”, “Could you be loved?”, “One love”, “I shot the sheriff” y las enormes “Redention song” y “No woman no cry”. Ediciones más modernas lo convirtieron en un disco doble que incluye 29 temas.

Existe otra recopilación muy difundida de Islands Records y Bob Marley Fundation, que consta de 4 CD, llamada “Songs of Freedom. From Judge not to Redemption Song” (1992), atractiva y equilibrada por lo abarcativa. Permite acompañar la evolución de Marley desde aquel iniciático ska -esa etapa jamaiquina que valoran los puristas- hasta su caprichoso final.

La herencia del reggae continuó durante los años ochenta en Gran Bretaña muy bien representada por la banda blanca inglesa UB40 (ver adelante) y Steel Pulse y en su tierra de origen con Black Uhuru, Third World y múltiples solistas como Bunny Wailer o Burning Spear. Otro fue Ziggy, el hijo mayor de Bob y Rita, nacido el 17 de octubre de 1968.

Más allá de cargar con el peso de ser el vástago del mayor exponente internacional de la música reggae, este ya no tan chico se la bancó con dignidad.  El marketing le permitió tocar sin mucho trámite con famosos como Sting, Keith Richards, Tina Weimouth de Talking Heads, Lauryn Hill, etc. Son atractivos su voz y los coros femeninos que utiliza, que remiten a papá Bob y a las famosas I Three, y un cierto aggiornamiento del género, que lo respeta sin maltratarlo.

Su disco más famoso fue “Conscious party” (1988) con los éxitos “Tomorrow people”, “Tumblin’ down” y “New love”, que están también en la compilación de arriba, sumando también los buenos tracks “Brothers & sisters” y “Look whos’s dancing”.